Las deslumbrantes instalaciones de arte públicas que se exhiben gratuitamente en la Semana del Arte de Miami

“Cartier Trinity Pop-Up” en 23 NE 41st Street Miami

La exposición gratuita “Trinity100” celebra los 100 años de la icónica colección Trinity de Cartier y marca el gran final de un año lleno de celebraciones globales, ofreciendo a los visitantes un viaje a través de su rica historia, desde su creación en 1924 por Louis Cartier hasta las reinvenciones modernas.

La exposición que está abierta al público hasta el 8 de diciembre ofrecerá a los visitantes una experiencia inmersiva de cinco espacios distintos que cuentan la historia de la evolución de la colección Trinity. Los aspectos más destacados incluyen una sala dedicada a Jean Cocteau, quien popularizó el anillo en la década de 1930, y un espacio que muestra la influencia de Trinity en la cultura pop. Los visitantes explorarán el uso simbólico del número tres de Cartier y verán una exhibición de joyas y objetos de la Colección Cartier. El pop-up Trinity 100 abrirá diariamente de 11:00 am a 9:00 pm. Los visitantes podrán reservar un horario para la entrada gratuita a través del sitio web www.cartier.com.

La exposición concluye con el lanzamiento exclusivo de Trinity Wild, una nueva colección limitada que hace referencia a los icónicos bestiarios de Cartier (la pantera, el tigre y la serpiente) con cinco nuevos diseños, incluido un anillo y un arete de dos dedos. Los invitados pueden probarse piezas antes del lanzamiento mundial el 1 de enero de 2025.

“Pesca a la encandilada”, de Jill Mulleady en 3704 NE 2nd Avenue South Facade Miami

La artista nacida en Uruguay y radicada en París, Jill Mulleady, colaboró con ICA Miami y el Miami Design District para crear esta valla publicitaria a gran escala visible en la autopista I-95 muy transitada. La obra reproduce su pintura de 2024 Pesca a la Encandilada (Pesca deslumbrada) como se ve en una exposición en Sant’Andrea de Scaphis, una iglesia romana que servía como lugar de culto para las personas cuyo trabajo en el puerto suministraba pescado y productos a la comunidad.

La tenebrosidad de los cielos multicolores de la pintura, refractados en la agitada superficie del océano, contrasta con la brillante llama desplegada por el pescador para atraer a los peces a su red. La escena recuerda las actividades pesqueras de Mulleady en su Uruguay natal, e inculca al templo en ruinas escenas de dinamismo y vida secular.

“Musa Coccinea”, de Bony Ramirez en 140 NE 39th Street, Second Floor Miami

Bony Ramírez estrena Musa Coccinea, su primer proyecto de arte público: un mural a gran escala en el segundo piso de Palm Court en el Miami Design District. Llamado así por el plátano escarlata (Musa coccinea), una planta ornamental conocida por sus flores rojas vibrantes, el mural utiliza su título taxonómico, producto de la clasificación colonial, para criticar el concepto de "descubrimiento".

El título de la obra también hace un guiño a su figura central, la "musa", una mujer de piel oscura envuelta en un exuberante vestido victoriano adornado con flores rojas. Con sus llamativas orejas en forma de almeja, rizos sueltos y extremidades alargadas y gráciles, emana una presencia mítica. Basándose en el retrato renacentista y barroco, Ramírez transforma las formas tradicionales en una celebración de la identidad y la resiliencia caribeñas, recontextualizando el arte colonial para honrar y empoderar la cultura caribeña y su legado.

“Living the Dream”, de Alteronce Gumby en 176 NE 41st Street Miami

El artista Alteronce Gumby, conocido por sus abstracciones de inspiración cósmica, ha presentado su mayor proyecto público al aire libre hasta la fecha en el Miami Design District. Titulado "Living the Dream", este vibrante mural integra piedras preciosas como el jade verde, la turquesa y el jaspe rojo junto con vidrieras y mosaicos.

En colaboración con Apperlo Art y con el apoyo de DACRA, Gumby expande los límites del color, basándose en su profundo interés en la astrofísica, la geología y la historia del arte para crear un tributo brillante a los tonos vívidos del universo. El mural anima a los espectadores a hacer una pausa, salir del mundo digital y volver a conectarse con la belleza natural que los rodea.

“SELETEGA”, de Nicolás Galanin en Faena Beach

Parcialmente enterrado en las arenas de Faena Beach hasta el domingo 8 de diciembre (12:00 p.m. a 8:00 p.m.), el artista tlingit/unangax Nicholas Galanin presentará una instalación monumental específica para el sitio, “Seletega” (corre, mira si la gente viene/corre a ver si viene gente), en forma de mástiles, velas y aparejos de un galeón español que emergen de debajo de la arena.

La obra de Galanin se elevará a más de cuarenta pies de altura, vinculando la ocupación de la tierra indígena con la invasión inicial de las "Américas" para extraer riqueza para la aristocracia europea. En 1519, Cortés dirigió una expedición española a México y ordenó que sus barcos fueran hundidos. Esto se hizo para motivar a su tripulación, que estaba agotada después del largo viaje y para evitar que se retiraran o unieran fuerzas con un enemigo. Las acciones de Cortés enviaron un mensaje claro a sus hombres: no había vuelta atrás. La expresión española quemar las naves significa eliminar la posibilidad de retroceder ante un problema.

Los mástiles y las velas del galeón en esta obra evocan un momento decisivo, simbolizando un punto de no retorno, donde las acciones pasadas obligan a comprometerse con un futuro nuevo e incierto. Este acto, como quemar las naves, habla de la elección irreversible de avanzar sin la opción de retroceder, de trazar un nuevo rumbo y nunca volver atrás y el acto de entregarse a una causa o creencia.

Pintado con aerosol en las velas en español e inglés (los primeros idiomas que colonizaron las Américas): "¿A qué vamos a renunciar para quemar las velas del imperio? ¿Qué vamos a renunciar para quemar las velas y los aparejos del imperio? ¿Qué vamos a construir para nuestra liberación colectiva? ¿Qué vamos a construir para nuestra liberación colectiva?" Estas preguntas, marcadas en las velas, hablan del pasado y del presente, pidiendo a los visitantes que consideren sus roles y responsabilidades en la configuración del futuro. Así como se quemaron los barcos para hacer imposible la retirada, la obra nos invita a reflexionar sobre lo que debemos soltar para avanzar hacia la liberación colectiva.

El trabajo de Galanin se involucra profundamente con los problemas sociales, particularmente aquellos que afectan a las comunidades indígenas, invitando a diálogos entre la experiencia indígena y no indígena.

XO World Monumental Sculpture

Diseñada por el artista Daniel Anderson, esta sorprendente escultura simboliza la inclusión, la esperanza y la positividad. Inspirada en el juego universal de Jacks, que ha traído alegría a los niños de todas las culturas durante generaciones, la "XO World" presenta una "X" que representa a un Jack con los brazos cruzados, que transmite amor en lenguaje de señas universal.

La "O" se representa como un globo terráqueo, que simboliza la unidad entre la humanidad. Con 12 pies de alto y 24 pies de largo, esta impresionante pieza está hecha de 20,000 libras de acero inoxidable y se eleva por encima de los espectadores.

Dream Machine II

La "Dream Machine" de Rubem Robierb encarna la esencia de nuestros deseos y aspiraciones más profundos. Las alas son un poderoso símbolo de resiliencia, que refleja la frágil condición humana que perdura a pesar de los desafíos. Al colocarse entre las alas y pedir un deseo, imagine que viaja al lugar donde sus sueños se harán realidad. Esta escultura rinde homenaje a los soñadores, aquellos que dedican su vida a hacer posible lo imposible.